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"XX AÑOS de ARTE COMESTIBLE (1997-2017)"
(Texto del Catálogo. 2017)
El sábado 27 de mayo de 2017 en la Galería Weber-Lutgen de Sevilla realizamos, tras dos décadas, el happening que conmemora los XX Años de la primera acción de Arte Comestible, realizada en mayo de 1997 en Sevilla, el Centro de Arte Acción Directa. Acción que continuamos en 1998 en la Galería Arteteca, en 1999 en el Patio Central de la Diputación de Sevilla y en el 2000 en el CAAC, que fue un revulsivo y un evento referente en esos años de la vanguardia andaluza, consiguiendo reunir a una parte importante de los artistas contemporáneos de nuestra tierra.
El Origen
Hace ya dos décadas redacté el manifiesto cuya lectura dió comienzo a la primera acción de ARTE COMESTIBLE. Happening que repetimos y ampliamos en los años posteriores. Inaugurábamos un nuevo espacio de arte independiente en Sevilla. El Centro de Arte Acción Directa se transformó en una efímera galería, en la que todas las obras presentes cumplían dos condiciones: estar realizadas en materiales "comestibles" y ser devoradas por el público-realizador asistente. El acto inaugural de la "exposición" se convirtió de inmediato en un happening, donde espectadores en comunión con los autores se confundían en una sola acción: el "consumo del arte".
La cotidiana asepsia de los comunes actos en una apertura expositiva se transformó en un desinhibido disfrute, con un cariz sarcástico. Esta transgresión del protocolo provocó una dualidad conceptual: un primario sentido lúdico y la reflexión crítica de la propia situación del arte contemporáneo.
Lo sorprendente de esta acción fue la frescura, junto a una alta dosis de joven desparpajo, humor, falta de vergüenza, ácido sarcasmo y un absoluto desconocimiento sobre propuestas plásticas similares o anteriores. Es curioso que cuanto más se separa uno del mainstream muchos son los que, de inmediato, tratan de buscarte antecedentes - tipo "eso ya se ha hecho"- que no se plantean en obras más convencionales. Así, aunque sea de manera inconsciente, protegen sus maltratados egos y evitan que se evidencie su patente falta de originalidad. Pero tras la lógica pregunta de dónde y cuándo le seguía siempre un ignorante encogimiento de hombros.
Anécdota curiosa fue el revuelo creado en la presentación de la mesa redonda en la cuarta (aunque la organización la situaba como tercera ya que omitía la primera) acción en el CAAC del año 2.000. Tras la presentación de los tres ponentes y en especial la última locución de Fernando Martín (catedrático de arte contemporáneo de la Universidad de Sevilla) donde se repasaban acciones de arte comestible, incluso mencionando alguna posterior realizada en Madrid, pero omitiendo de manera incomprensible las anteriores convocatorias, ni su origen ni la autoría de la misma. Ello provocó las protestas e indignación de una parte importante del público presente que sí habían asistido a las anteriores y las disculpas posteriores de los ponentes.
La Referencia
Antecedentes sobre la presencia de la comida en el arte existen desde sus inicios más remotos. Los bodegones son un género propio con un protagonismo evidente de la comida. Arcimboldo1 lo llevó al ámbito de la figuración, adelantándose varios siglos a los postulados surrealistas.
Más cercanas en el tiempo y espacio son las veladas ultraistas2, celebradas en Sevilla (1919 ) y en Madrid (1921). Los encuentros de escritores de la generación del 27 denominados "cenas superrealistas", que se convirtieron en un nuevo ludus en un momento posterior de la vanguardia. Las famosas cenas literarias capitaneadas por Gómez de la Serna en el Café del Pombo. O las "cenas surrealistas" de Alejandro Collantes. Todas ellas vinculadas al ámbito literario y poético.
En el ámbito más cercano a la plástica tenemos también muchos antecedentes. Decía Salvador Dalí: “La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico” porque la comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería…Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí y Gala, fueron legendarias y ejemplo de acción surrealista. Dalí publicó un libro de cocina en 1973, "Les dîners de Gala"3, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros, no exentos de cierto carácter decadente, snobismo y de una clara estética kitsch.
El 21 de julio de 1960, Piero Manzoni presentó en la galería Azimut una de sus performances más afamadas: la Consumición del arte dinámica del público que devora el arte ("Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte").
El artista firmó con la huella del pulgar algunos huevos duros que serían consumidos insitu por el público.
En la década de los sesenta entró con fuerza el mundo del arte de acción en la plástica contemporánea y fue uno de los baluartes de la vanguardia de ese momento: ZAJ (España)4, Gutai (Japón)5 y Fluxus (Alemania)6. De este periodo destaco también a Daniel Spoerri7 con sus famosos ensamblajes con restos de comidas a modo de bodegón objetual que crean como escenas cotidianas congeladas en el tiempo. O a Claes Oldemburg8 con sus apetitosas esculturas de apariencia comestible.
También debo mencionar a Antoni Miralda que junto a Dorothée Selz9 impulsores de los ceremoniales de arte comestible (París y Londres de 1962 a 1966). Los "Rituels" (happenings) constituyen una aportación de la nueva generación catalana a la vanguardia en Europa. Miralda fue el invitado especial y participó con una vídeo-instalación en la tercera muestra (Diputación de Sevilla,1999) de arte comestible de Sevilla.
Pero debo señalar que es sólo aparente el parecido de estos "Rituels" con nuestra acción de arte comestible. Estas acciones de los años sesenta y setenta tenían un marcado sentido lúdico, con influencias de la contracultura, el movimiento hippie y más cercanas a las cenas surrealistas dalinianas impregnadas de snobismo.
La Esencia
La acción que inicié en 1997 tenía un marcado sentido crítico y político. Realizada por artistas plásticos que en su mayoría trabajan arte objetual y no están inmersos en el mundo de la acción. Las obras podrían perfectamente estar realizadas en materiales estables y duraderos y ser objeto del mercado. Es decir: prima la obra, el objeto, aunque este sea finalmente efímero y devorado como Saturno a sus hijos. Por tanto, posee ese grado primitivo y ambivalente entre la antropofagia y la comunión. Es una sátira socarrona y profunda (a pesar de su superficie lúdica) a la falta de mercado y a la precariedad de la labor del artista plástico dedicado al arte contemporáneo. Los creadores respiramos curtidos y escépticos en la ardua criba de la supervivencia. Es el impuesto papel de sísifos que nos ha tocado desarrollar en la gran comedia de la cultura contemporánea. La acción de engullir las propias obras, se convierte en una metáfora como respuesta a esta situación. Destruir nuestras obras y alimentar al público y a nosotros con ellas. Esta acción lleva implícita la protesta, la autocrítica envuelta y endulzada por su carácter lúdico-festivo, pero con el ácido humor que acompaña al sarcasmo.
Atrás quedaron los felices ochenta", o como titularía Brea: "Antes y después del entusiasmo"... Muchos que vivieron ese esplendor bogan ahora en un remanso de decepción. Otros pertenecemos a los noventa, llamada generación "X" y en consonancia con el cinéfilo signo nos tocó lo "duro". Pero en lugar de mejorar y salir de esa espiral que te conduce al desagüe, hemos descubierto la crisis global. Vamos haciendo un oscuro tour visitando las interesantes alcantarillas, vamos conociendo el subsuelo en un descenso incierto con muchos cantos de sirenas con brotes verdes de plástico fluorescente. Ahora nos alimentamos del kandiskyano "principio de necesidad interior" o del warholiano "exterior". Pero, a su vez, la perseverancia en el trabajo (objetual) provoca un mayor stock de obra en los estudios, apareciendo en muchos casos la paradójica angustia de la saturación. Pero Sísifo puede ser feliz y disfrutar de las vistas antes de la ya familiar próxima caída. Como quien espera la luz verde del próximo taxi que de forma circular te dejará en el origen y te muestra de camino la ciudad que como agua del río nunca se repite. Te enriquece el camino y no el destino.
El arte contemporáneo se aleja del gran público. Se restringe, por lo general a una élite culta, lo que claramente dificulta su eco social. Los códigos de expresión creativa han evolucionado a un ritmo mucho mayor que la base cultural. A esto le podemos añadir un sistema educativo en retirada, diseñado por ineptos burócratas surgidos de los alevines de partido, sin más cultura ni título que su chapa con eslogan. Dibujar una democracia sin cultura es señalar el camino a la tiranía. Pero ese el el miedo del sistema: el arte puede hacer visibles los hilos del poder. A menor cultura mayor docilidad. Ya lo hacía Roma: pan y circo. Pero del circo puede surgir un Hop-Frog que cambie las risas al final del espectáculo.
Muchos son los que niegan la existencia de radicalismos en la plástica contemporánea. Pero la Historia está jalonada de ejemplos que demuestran la no inocuidad del arte.
El espectador medio tiene que forzar su mente para vislumbrar las claves de un nuevo arte. Como diría Leonardo "El amor es hijo de un conocimiento y es mayor ese amor cuanto mayor es ese conocimiento." Pero para que esto se produzca es necesaria una motivación, un acercamiento. Como la física cuántica, todo el mundo conoce el término aunque no lo comprenda. Pero en el arte a menudo se produce un rechazo frontal. Prejuicios que no existen con la física. Pero en esta acción: el público se acerca al arte, literalmente digiere la obra, disfruta, se divierte, reflexiona, desacraliza el objeto. Y es que la acción de comer es absolutamente cotidiana y común a todo ser humano, donde se reúnen los sentidos del gusto, olfato, tacto, visión e incluso oído. Personas ajenas al arte actual salen del happening con una visión positiva y abierta. Desaparece el miedo a la hermética asepsia de la erudita cultura. Y es que la expresión plástica contemporánea - y esta acción lo hace patente - puede ser divertida y cercana al amplio público.
El Manifiesto
El ARTE se consume. Si así es, CONSUMÁMOSLO pues... con sumo gusto.
Realizamos hoy un ARTE comestible, consumible,
con-su-mismo, con-sí-mismo, por el mismo
realizador, crítico y consumidor. ¡ Todos a una !...¡ A consumir !.
Esta instalación es no retornable; es digerible y biodegradable.
Haga el ágape, pruébelo, critíquelo.
¡ DISFRUTEMOS DEL ARTE !, del arte democrático, democrítico,
intelecto-ritual.
La decisión es instantánea, es imposible la reserva,
la adquisición es su finalidad.
Ya no existe la pose: las narices se elevan sólo para oler.
No interesa el público exquisito o no. La obra es la exquisita o no.
Esta muestra-prueba tiene mucho sentido: sentido de la vista,
sentido del gusto. DEL BUEN GUSTO Y DEL MAL GUSTO.
Y lo que es más importante: sentido del humor.
Acatemos la actual paradoja columbina:
Seamos esta noche "artistas Juan Palomo":
Yo me lo guiso, me lo expongo y me lo como.
(Jesús Algovi y Manuela Bascón, Sevilla 1997.)
La Historia
Con este manifiesto que redacté para la ocasión y lancé oralmente subido a una escalera, a modo de púlpito, se dio comienzo en mi estudio (Centro de Arte Acción Directa, en la calle Divina Pastora) a la primera acción de ARTE COMESTIBLE realizada en Sevilla en Mayo de 1997.
Entre un variado público asistente de aproximadamente medio centenar de personas, se encontraban artistas plásticos Manuela Bascón (coorganizadora y mi entonces pareja), Miguel Parra, Luisa Porras, Paka Antúnez, Mayte Carrasco, Antonio Nodal, José María Rodríguez Tous (Alias Lilo), Günter Pahlke, etc. Junto a los escritores Eliacer Cansino y Víctor Barrera, historiadores (de la Escuela de Libres Historiadores, entre ellos Margarita Aizpuru), amigos y personas cercanas al mundo de la cultura.
Todas las obras presentes cumplían dos condiciones: estar realizadas en materiales "comestibles" y ser devoradas por el público-realizador asistente. Espectadores y autores se confundían en una sola acción: el "consumo del arte". Todos los presentes tomaron carácter de autores deconstructores y con ello generando un nuevo proceso de creación: "para construir hay que previamente destruir".
Obras diversas como "Cadáver exquisito" de Paka Antúnez , "Pensamiento" de Parra & Porras o "El pan nuestro de cada día" de Manuela Bascón, se repitieron en la siguiente edición. Otras como "Naturaleza muerta y naturaleza elaborada" de Günter Pahlke, "Maná" (poema-objeto) de Eliacer Cansino, entre otras...En esta primera edición elaboré dos instalaciones: "Arte comercial" consistente en cinco pequeños cuadros con sendos filetes en los que había tatuado (con hierro al fuego, a modo de marca ganadera) el símbolo $ . La segunda "El consumo del arte" consistía en dos grandes barras de hielo colgadas del techo dentro de las cuales se hallaba la palabra ARTE.
Carmen Navarro, directora de la revista de arte Aspasia y de la galería Arteteca (ya desaparecida), tuvo conocimiento de la acción. En principio estaba interesada en sacar en su revista esta primera muestra de arte comestible. Pero, ante las limitaciones por la escasa documentación y calidad de las fotografías existentes, acordamos la realización de una segunda edición en la galería Arteteca, abierta al público y a más artistas, cuyas imágenes se cuidarían al registrar en su publicación. Organicé y comisarié el evento en el mes de Marzo de 1998.
Invité a 25 artistas en esta ocasión: Fernando Bono, Felipe Vivas, Juan Casado, Julio Herrera, Miguel Parra, Luisa Porras, Pedro Simón, Angustias García e Isaías Griñolo, Joaquín González, Jorge Arévalo, Pepa Rubio, David Resurrección y Lola Quevedo, Rolando Campos, Mayte Carrasco, Manuela Bascón, Paco Pérez Valencia, Antonio Nodal, Paka Antúnez, Yon Castizo, Leonor de Carlos, MP & MP Rosado Garcés, José María Larrondo y (el que suscribe) Jesús Algovi.
Se superaron las expectativas más optimistas de público. Sorprendía las numerosas caras desconocidas y curiosas, distanciadas con seguridad de los eventos artísticos cotidianos, el disfrute, desparpajo y divertimento del público. Comentarios, aplausos y ambiente nunca antes contemplado por los autores en el desenfrenado entusiasmo que provocaban sus obras. Total éxito de medios: artículos en toda la prensa nacional y emisión de la misma en los noticiarios de todas las televisiones nacionales. Interés por un evento cultural pocas veces visto. Toda la acción se publicó ampliamente en el Nº 1 de la revista ASPASIA, en la primavera del 98.
En vista del éxito de esta segunda edición, Carmen Navarro decidió comisariar una tercera en 1999. Con el apoyo económico y cediendo el espacio del patio central de su propia sede, la Diputación de Sevilla asumió la tercera edición de la acción de arte comestible. Yo había renunciado a comisariar este nuevo evento, aunque seguía participando como artista. Tercera edición con un gran elenco de creadores que amplió y enriqueció la acción. Sin embargo sentí una leve decepción ya que se desvirtuó en cierta forma el carácter crítico de la acción. A esto se le unió una oscura e incomprensible desinformación de las acciones anteriores y del origen de este happening.
Éxito de medios y de público (unas ochocientas personas, según el diario EL PAIS). Con la participación de 58 artistas. Por orden alfabético: Jesús Algovi, Paka Antúnez, Jorge Arévalo, Javier Arozena, Manuela Bascón, María Cañas, Maite Carrasco, Ricardo Castillo, Rafael Cerdá, Manolo Cuervo, Antonio Damián, Rafael Enterría, Joaquín González, Juan F. Lacomba, Marisa Lafuente, Paco Lara-Barranco, José Mª. Larrondo, Luigi Maráez, Carlos Montaño, Pedro Mora, Lourdes Murillo, Fau Nadal, Miguel Parra, José M. Pérez Tapia, Paco Pérez Valencia, Luisa Porras, Antonio Quiles, David Resurrección, Juan F. Romero, MP & MP Rosado Garcés, Julián Ruesga, Carmen Rufo, Pedro Simón, Emilio Sola, Jesús Tejedor y Javier Velasco. El Artista Invitado fue Antoni Miralda, con vídeo y con un proyecto llamado "Recetas de la Abuela" que posteriormente llevaría a la Feria de Hannover. La comisaria, junto al equipo de Aspasia (con Antonio Garcés) también participaron con un traje de flamenca realizado con lonchas de buen jamón ibérico, cuya modelo desfiló por todo el recinto hasta perder su envoltura. Todo el evento fue decorado musicalmente por Diego Manrique. Todo ello plasmado en un vídeo-documento bien realizado pero que tuvo muy escasa difusión y que no llegó a la mayoría de los artistas participantes.
Al año siguiente (2000), el mismo equipo volvió a organizar nuevamente la cuarta (aunque seguía sin aparecer la primera) acción de arte comestible en el CAAC. Por desgracia, carezco de la información y desconozco que exista documentación sobre esta última acción. Repetimos la mayoría de los artistas que estuvimos en la anterior y se sumaron otros nuevos como Miki Leal, Juan del Junco o Joaquín Ivars. Como ya ocurrió en la anterior, se omitió la primera acción y el origen. Con la penosa anécdota que ya comenté anteriormente respecto a la mesa redonda que hubo tras la acción en el salón principal del CAAC.
Ese mismo año organicé el evento, junto a artistas de las baleares en la Feria de Arte Contemporáneo Art-Ibiza 2000. Manuela Bascón organizó a su vez otra nueva acción en Carmona (Sevilla) ese mismo año.
Como dice Ortega y Gasset (soy consciente que parecería más cool si citase a Adorno, Benjamin, Wittgenstein, Derrida, Focault, etc...) en "Prólogo para alemanes": "El mundo con el que el intelectual se encuentra le parece estar ahí precisamente para ponerlo él en cuestión. (...) A primera vista parece que es un destructor y se le ve siempre con vísceras de las cosas entre las manos, como un matarife. Pero es todo lo contrario."
El Tiempo
Veinte años después del primer evento de Arte Comestible estamos aquí de nuevo reunidos por la misma razón: por Amor al Arte. A pesar de esa frase de tango -"veinte años son nada..."- mucho es lo andado y más aun lo vivido. El tiempo nos da no sólo madurez, también experiencia y sabiduría, además de humildad. Nos aporta la seguridad de la incertidumbre. Ese perpetuo baile sobre la cuerda floja, conscientes tras veinte años de múltiples caídas, del espacio que separa esta cuerda del abismo.
De las heridas a veces crecen alas que nos hacen ingrávidos, y de esa ingravidez nos brota el arte. Esto es mucho más que una muestra generosa, es comunión entre los creadores. La máxima acción con su público. Esta noche digerimos el arte como metáfora. Como crítica profunda a la eterna precariedad, en un mercado desértico plagado de deslumbrantes espejismos.
Paradojas de la vida que, tras veinte años, sorprende una tierra del sur, más al sur todavía y una labor - la de sus creadores - que recuerda el lamento de los niños yunteros. Decía Neruda10 que "escribir poemas con 20 años significa tener 20 años; y escribir poesía con cuarenta es ser un poeta". Pues bien, todos los presentes hemos superado la barrera del miedo,
seguimos creando y creyendo que el "arte es un arma cargada de futuro". Unos se hacen viejos y otros grandes. A pesar de todas las crisis y de nuestros excelsos gobernantes, aquí queda patente que - a pesar de todo - los artistas con muy poco creamos mucho. Generamos riqueza y patrimonio aunque sea efímero como la vida. Nuestro pasado es cultura y es arte. Nuestro futuro también lo será. Pero es en el incierto presente donde se libra esta pugna que marcará inexorable un resultado.
Dar las gracias a todos los artistas que habéis participado con vuestras magníficas obras de altísimo nivel y profundo calado en este XX Aniversario: María AA, Rocío Arregui, Manuela Bascón, Fernando Bono, Mayte Carrasco, Miguel Ángel Concepción, Tomás Cordero, Juan Sebastián González, Paco Lara-Barranco, José María Larrondo, Gloria Lomas, Veredas López, Carmen López Sánchez, Rocío López Zarandieta, Olegario, Fernando Millán, Ming Yi Chou, Fau Nadal, Luisa Porras, Miguel Parra, Alias Lilo, Adriana Torres, Iván Tovar y Jesús Algovi. También agradecer su apoyo a la Galería Weber-Lutgen y a su director Ed Weber, a los compañeros del Centro de Arte Acción Directa y a todo el público asistente. Muchas gracias a todos.
Jesús Algovi
(Sevilla, mayo de 2017)
Notas a pie de página:
1. Giuseppe Arcimboldo, también escrito Arcimboldi (Milán, 1527-ibídem, 11 de julio de 1593)
2. José Mª. Barrera López. "Mediodía: Revista de Sevilla. Números del 1 al 14. Ed. Renacimiento. 1999.
3. Título: Las cenas de Gala (Les dîners de Gala) – Autor: Salvador Dalí – Editorial: Taschen – Edición: español – ISBN 978-3-8365-0905-3 – Formato: Tapa dura, 21,2 x 30,2 cm, 320 páginas
4. Zaj fue un grupo musical de vanguardia español, creado en el año 1964 por los compositores españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce, y por el compositor italiano Walter Marchetti. Su gestación, en Milán, entre 1959 y 1963 .
5. Gutai fue un grupo de artistas japoneses que realizaban arte de acción o happening. Nació en 1955 en el entorno de la región de Kansai (Kyōto, Ōsaka, Kōbe).
6. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas. Iniciado en Alemania, este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón. Lo componen entre otros artistas Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman
7. Daniel Isaac Feinstein, conocido como Daniel Spoerri (Galaţi, Rumanía, 27 de marzo de 1930), es un artista y escritor suizo, nacido en Rumanía en 1930. Ha sido llamado «la figura central del arte de posguerra europeo»1 y «uno de los más renombrados artistas del siglo XX».2 Se le asocia con el Nuevo realismo y con el movimiento Fluxus.
8. Oldenburg nació en Oslo (Noruega), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1939,
9. Pilar Parcerisa. "Conceptualismo(s) poéticos, políticos y periféricos". Ed. Akal. 2007.
10. Neruda, Pablo. "Confieso que he vivido". Ed. Seix Barral, Barcelona 1974.
LA GRAN TIMOCRACIA: Una Exposición en Diferido en Forma de Simulación.
(texto del catálogo. 2014)
Error system
La exposición que aquí os presento condensa el trabajo realizado en los últimos tres años. Casi a modo de diario o cuaderno de bitácora en el que he ido elaborando distintas piezas de forma multidisciplinar: pintura, escultura, instalación, grabado, vídeo, acción e impresión digital en 3D. Todas han ido surgiendo de manera independiente y natural. De orígenes muy diversos pero con un adn común: la propia vida y los acontecimientos o situaciones que nos rodean. Arte expresado de manera directa y honesta.
Como estamos en un momento convulso y confuso voy a intentar no añadir niebla. Eso me lleva a publicar los textos o poemas (habituales en mi trabajo) de los que surgen e incluso a escribir estas líneas. Siempre hay controversia sobre la explicación o no de la obra por parte del artista. Es más "glamuroso" y también más cómodo dejar una estela de misterio o que expertos en la materia lo hagan. Pero mi impulso docente ha derribado esta incertidumbre, en un ejercicio (la información de "primera mano") que espero sirva de algo al público de esta muestra y ayude a poner mi grano de luz dentro de este fenómeno que llamamos arte contemporáneo. Pero esta breve exégesis es más un acercamiento que una explicación de la obra. Me interesa que sea la persona que contempla quien complete la misma y dejar por tanto cierta dualidad entre el significante y su significado.
Esto último me trae a la memoria una frase que apunté en una charla con Antonio Saura, en la que nos decía (en relación al contenido de una obra de arte) que "un significante sin significado se convierte en un significante insignificante"1. Ella me ha acompañado a lo largo de estos años: la preocupación sobre la reflexión que puede provocar una obra de arte. No es un mero objeto de contemplación (aunque también pueda serlo) sino una batería de sensaciones, emociones e ideas. Por todo esto, en la mayoría de las obras que completan la exposición, el título ya es un significante altamente revelador y en muchas de ellas incluso éste conforma la propia pieza.
En mi trabajo fusiono la poesía con la plástica. Deconstruyo los signos del texto (letras capitales) y éstos son el alimento que conforma la propia obra. Arte y poema convergen como en el famoso verso de Celaya "la poesía es un arma cargada de futuro"2. En estos momentos, con más razón, los artistas tenemos el compromiso de "cargar" de contenido nuestra obra y expresar el desasosiego, hacer visibles los fantasmas o el sentir común de nuestra sociedad y darles finalmente forma en el objeto. Cada obra de arte puede ser una semilla de rebelión.
El término "timocracia" viene definido como el "gobierno en que ejercen el poder los ciudadanos que tienen cierta renta"3. Éste deriva de las palabras griegas τιμη, timé, "honor"; y κρατια, krátia, "gobierno". Si a ello le añadimos el posible doble sentido de la palabra, nos puede resultar un elemento argumental totalmente actual. Pero, a pesar de poseer ese hálito de contemporaneidad, resulta ser un concepto antiguo ya utilizado en la Grecia clásica. Platón (428-347 a.C.) en su "República"4, nos define la timocracia como una forma de gobierno en el cual los únicos que participan son los ciudadanos que poseen determinado capital o un cierto tipo de propiedades. Hoy podrían estar representados detrás de distintas siglas y parapetados tras misteriosas corporaciones: G8, FMI, y distintos nombres que cotizan en las bolsas internacionales, agencias de calificación, bancos, etc, que últimamente escuchamos con asiduidad, acompañados de distintos adjetivos de jerga económica y terminología de mercado. La gran diferencia a esta analogía platónica es que el segundo fundamento de este sistema de gobierno era la búsqueda del honor. Este término hoy está absolutamente es desuso tanto desde un aspecto fonético como desde el punto de vista semántico. En nuestro actual sistema, parece que el "honor" resulta anacrónico y se ha sustituido por el de la "búsqueda del enriquecimiento" a cualquier precio. Da la impresión que las siglas que dirigen el mundo se rigen por el principio maquiavélico de "el fin justifica los medios". La ambición desmedida y el egoísmo parecen imponerse. Esto ha calado en todos los campos de nuestra sociedad, desde el político hasta el profesional y cotidiano, pasando incluso por el educativo y académico. Cual Nosferatu, luz y transparencia son sus enemigos.
Contemplamos absortos e impotentes como los mercados internacionales dirigen nuestros destinos. Como las voluntades de los distintos gobiernos se pliegan e incluso reptan ante sus designios en oscuro himeneo. Derechos conquistados tras años de lucha por el progreso y la justicia nos son recortados bajo la excusa de "imperativos económicos". Vemos como se degradan las condiciones laborales, las sanitarias, la educativa, el equilibrio social, cultural, etc. Sin embargo, estos elementos de poder que gobiernan en la sombra y nos imponen los eufemísticos "ajustes", son responsables directos de esta situación por su desmesurada ambición, doblan voluntades a golpe de talonario e incumplen todas las normas del sistema amparados en los consentidos e inmunes paraísos fiscales.
El subtítulo "una exposición en diferido en forma de simulación" es una clara alusión a la famosa frase de Mª Dolores de Cospedal en relación al "despido" de Bárcenas, ex-tesorero del Partido Popular. Lo que ha sido, dentro de nuestro país, junto al caso cercano de los ERES irregulares con "intrusos" del PSOE en Andalucía, en el que también están implicados sindicalistas, uno de los mayores escándalos de la política nacional reciente. Hechos que en la mayoría de los países europeos (no exentos de corrupción) habrían supuesto dimisiones. Hay un estupor general y una lógica indignación (con independencia del color político) dada la sensación general de impunidad. Para colmo se señalan a jueces que están haciendo bien su trabajo y a responsables de medios de comunicación que están destapando estos escándalos. El silencio siempre viene acompañado de un cierto barniz de complicidad. Se echa en falta esa búsqueda del honor que políticos de casta han profesado, dejando una huella imborrable y el amor profundo de su pueblo.
Contemplamos atónitos una degradación de la ética política y de la credibilidad de nuestros gobernantes. La eterna erótica del poder atrae, se profesionaliza e imanta las posaderas de muchas (sería injusto generalizar) de sus señorías que pronto olvidan los ideales y las promesas que les han llevado a ocupar ese lugar. Tenemos la sensación general de déficit de vocación, ideales y méritos. Si los estamentos e instituciones que imponen las normas de juego y velan por su cumplimiento no dan ejemplo, será ardua tarea convencer al resto de la sociedad para que lo haga sin rebelarse o sumergirse. El resultado de esta sintomatología llega en forma de desafección, simple fruto amargo de una mala semilla. Este "error system" se ha ido gestando en los últimos años y forma un peligroso cocktail. Al mismo tiempo vemos profesionales en todos estos campos y ciudadanos casi heroicos que luchan contra esta entropía y son los verdaderos valedores de la democracia. Cada uno aporta el grano del ejemplo que unidos dificultan el mayor deterioro del sistema.
El oficio
En general, la imagen que tenemos del arte contemporáneo se contrapone al término tradicional del oficio. Éste ha pasado a tener cierto cariz peyorativo dentro de este ámbito y se asocia de una manera casi inmediata al concepto de artesano, como una subcategoría. En esta muestra reivindico la labor artesanal de este oficio y las técnicas tradicionales. Es mucho más fácil dar una imagen de obra contemporánea utilizando soportes o medios técnicos nuevos. Pero, a menudo, simplemente vemos ideas antiguas con nuevos medios. Realizar arte contemporáneo con las técnicas tradicionales requiere elaborar ideas nuevas y esto es un reto mucho mayor. La típica frase, tan repetida de "la pintura ha muerto" no deja de sorprenderme. Sigo viendo buena pintura libre de insectos necrófagos. Mueren los artistas y se agotan las ideas, los movimientos y las modas. Pero no es más que el reflejo de una sociedad de consumo ávida de recibir nuevos productos que sustituyan lo anterior, que por supuesto se descarta y se adjetiva como obsoleto, aburrido o caduco para alimentar la maquinaria del mercado.
Hay cierto símil entre el mercado del arte y el fast food. Como no suelo nadar en el mainstream contemporáneo, defiendo con mi trabajo un movimiento lento. Casi podríamos definirlo como un cierto "slow art". Juan Hidalgo (artista coherente, de labor admirable y que tuve la suerte de conocer personalmente) escribió en un grabado "es ocioso buscar gran precisión o certeza"5. Pero es ese tiempo el que ahora puede resultar revolucionario. Ese amor por la labor que sin duda percibe el público. Y es este público al cual se dirige nuestra obra y nuestro mensaje. Merece ese tiempo y el respeto a su contemplación como acto que ennoblece nuestro mundo. El arte no sólo se limita a la creación. Ésta se completa en el acto de su contemplación. Eso es lo que lo hace único y crea el milagro de la comunicación sensible.
Dice Pierre Rabhi en uno de sus últimos textos "a partir de ahora, la mayor hazaña, la más bella, que tendrá que llevar a cabo la humanidad será la de responder a sus necesidades vitales con los medios más simples y sanos. Cultivar un huerto o entregarse a cualquier actividad creadora de autonomía será considerado un acto político, un acto de legítima resistencia a la dependencia y la esclavitud del ser humano"6.
Todo esto, unido al sentido romántico del término artista, justifica que, por ejemplo, en esta muestra todas las obras las haya realizado sin intermediarios. Parece una obviedad pero no lo es. También el hecho de realizarlas con técnicas arcaicas junto al contraste de elementos técnicos recientes, como lo son las técnicas digitales. Pero se trata de una manera casi opuesta a la que podemos contemplar en algunos artistas insertos en una especie de voraz generación de obra impuesta por las leyes del mercado (a las que se suman de una manera absolutamente voluntaria), más cercana a una producción industrial que a la artesanal. Esto crea alevines con patrones de imitación que (sin mercado que lo solicite) intentan emular esta manera. Está claro que hay obras que por su envergadura necesitan de todo un equipo humano y técnico para su ejecución, como es la labor de un arquitecto o la de un director de cine o teatro. En el caso del cine se nombran en lo títulos de crédito a todo el elenco humano que hace posible la obra, pues se trata más bien de una obra en equipo. No ocurre lo mismo en las artes plásticas. En mi caso, tengo todavía esa necesidad arcaica de mancharme con la materia (tanto la física como la sensible) y sudar el trabajo que lleva (aunque a menudo olvido) mi firma. Ya sabemos que es un tema controvertido y muy antiguo. Ya lo decía Miguel Angel en su famosa frase de "l'arte é cosa mentale". Pero por muy conceptual que se sea, las artes plásticas requieren de un objeto, sea éste materia corpórea, su documento o el propio cuerpo de acción. Esto requiere un diálogo (aunque sea mínimo) con la materia. Otra opción valiente es dedicarse al juego del ajedrez.
La herencia
Escribe mi buen amigo y gran artista plástico (principalmente pintor, aunque como bien dice con la misma cantidad de sorna que de razón "yo no realizo instalaciones, yo las pinto", aunque debo añadir que también las ha realizado y de forma magistral como en aquella "gran parada"...) José María Larrondo en su Tesis Doctoral7, sobre la situación particular y la herencia plástica en Sevilla:
"Dicen que Dios no existe en Sevilla porque el diablo habita por los rincones. Los tópicos –al igual que el refranero- no son más que información concentrada y aquilatada en el tiempo, susceptibles de aplicación en cuanto que son patrones, pero no siempre exactos como indicadores de la verdad .
Cuando se vuelve a Sevilla se “vuelve al valle”. Se vuelve a un territorio de tres mil años, crisol de culturas y de pensamientos. Estas mezclas naturales, a fuego lento, han ido depositando en la memoria colectiva una cierta manera de ver las cosas, un modus operandi –marchamo de la casa- donde la ambigüedad y el énfasis son los elementos principales de la emisión de significado, y por supuesto de la interacción lingüística.
En Sevilla no se necesita establecer un esquema de razonamiento para convencer al interlocutor. Basta un golpe de ocurrencia que envuelva de veracidad el mensaje. De aquí el primer tópico falso. El sevillano no es gracioso, el sevillano es ocurrente y gusta de la economía de la representación, incluida la hablada. Además, nunca dudará en decir dos cosas antes que una con una sola elocución. Si leemos “Sal de Sevilla” en la puerta de un bar, estamos leyendo dos cosas, y quien la redactó estaba pensando en esas dos cosas. Lógicamente, esta voluntad de contracción provoca una continua competencia que convierte a la contracción en contorsión, y así se hacen más agradables los días. La cultura es un poliedro con muchas facetas. En consecuencia, el breve análisis expuesto es aplicable a todas ellas.
No es extraño que en Sevilla las manifestaciones artísticas tengan una particular importancia. Si la materia de la creación es la ocurrencia y el clima lo pide, el caldo de cultivo está servido. Aunque este fenómeno sucede en muchos sitios, no todos los sitios son iguales y podríamos aventurar que existen ciertas particularidades que inciden en diversos aspectos de la representación. De aquí que para un escultor vasco la utilización del hierro fuera algo tan natural como la piedra para un gallego, pese a la globalización.
No sólo se trata de materiales. Se trata de temas, de sistemas, de seguir la tradición o de ir en contra. Se trata de la convivencia entre parangones. Todo con un cierto grado de temperatura. Resulta curioso observar cómo desde la Edad Media se siguen pintando iconos en Rusia o cómo hasta anteayer se seguía construyendo gótico en Inglaterra. En el mismo orden de cosas, a Sevilla le va el barroco.
A Sevilla le va el barroco no sólo en el arte religioso puro –sólidamente estructurado por las cofradías-, sino también en cualquier aparición contemporánea aunque esté en contra de lo anterior. Tenemos que dejar clara una idea: si bien el manierismo es un periodo que sigue al renacimiento, se puede representar de una manera más o menos manierista muchos siglos después, y así pasa con todo. Todo convive con su contrario en un sempiterno juego de preguntas y respuestas, de comentarios demoledores y de insinuaciones sutiles. Si hemos hablado de la materia y de la energía que Sevilla alberga, ahora toca hablar de la luz. Esa luz que explica en parte la historia de la pintura en la ciudad."
El hecho de ser andaluz y vivir en Sevilla genera, aunque sea de manera inconsciente, cierta impronta. Esto se ha evidenciado más aun en mi trabajo reciente. Realizar arte contemporáneo e intentar vivir de ello en Andalucía es una tarea casi heroica. Cuando comenzaba en esto del arte veía esta herencia barroca y arraigo a la tradición como un enemigo de lo contemporáneo. Una larga relación de amor y odio. Con el tiempo, la experiencia, viajar y trabajar en otros países, el punto de vista varía y con ello la perspectiva de este fenómeno que ahora puedo apreciar de distinta manera. En la actualidad lo veo como algo perfectamente compatible e incluso algo a utilizar dentro de lo experimental.
Al hilo de lo anterior, puedo afirmar que hay un claro y consciente aspecto "transbarroco" en mis últimos trabajos. La herencia genética ha aflorado inexorable. Y en la escultura barro-co-cido. Al final tira la tierra... Vuelvo al crisol del que nunca me he ido.
Jesús Algovi
Sevilla, marzo de 2014
1 Charla con Antonio Saura en el curso "Escritores de Pintores / Pintores de Escritores". Universidad Menéndez Pelayo. Sevilla, verano de 1990.
2 Celaya, Gabriel. "Cantos Íberos". 1955.
3 Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua (DRAE). 22ª Edición.
4 "La República", Platón. Alianza Editorial. 2005.
5 Frase escrita en un grabado realizado en el taller de Mitsuo Miura, editado por Ginkgo. Madrid 1989. "La Creación Artística Como Cuestionamiento". Ed IVJ. Valencia. 1990.
6 Rabhi, Pierre. "Hacia la Sobriedad Feliz". Ed Naturae. Madrid, 2013.
7 Tesis sobre los "Años Ochenta en Andalucía". Premio Extraordinario de Tesis Doctoral de la Universidad de Salamanca
VERSUS / Preso de Conciencia.
Texto del catálogo de la exposición realizada en la Galería Weber-Lutgen (Sevilla, España) y la Galleria Dieffe (Turín, Italia) en 2011.
Versus es la expresión latina que en su contexto anglosajón toma el significado de "contra" o "frente a". Así se emplea en el lenguaje jurídico y en el de los enfrentamientos deportivos. En latín y en castellano, versus significa "hacia" o "en dirección a". Decía un iracundo Lázaro Carreter1: "No hay novedad más imbécil que este versus, y, por tanto, más necesaria para los imbéciles. [...] Fue en el ámbito de la lengua inglesa, tan presta a acoger latinismos como a alterar su literalidad, donde la preposición latina recibió el oscuro sentido de 'contra'. Para significar "contra", los latinos y los hablantes de los diversos romances, tenían otra preposición: contra. Lo de versus, por mucha que fuera la anglofilia, no era de recibo". Pero la lengua es un elemento vivo, y de la misma forma que la cultura evoluciona y cambia, las convenciones de nuestro léxico se impregnan y fusionan con todo lo que nos rodea. De igual manera el latín se extendió mediante el imperio y se impuso (en la mayoría de los casos) en detrimento de las lenguas autóctonas. En la actualidad (nos guste o no) existe un nuevo imperio que impone su influencia...
La palabra latina versus designa el movimiento de ida y vuelta ejecutado por el labrador al arar la tierra. De ella procede el vocablo verso2, que se define como una de las unidades rítmicas en que puede dividirse un poema, superior generalmente a la palabra y el pie e inferior a la estrofa. También3 a la palabra o conjunto de palabras sujetas a medida y cadencia.
El título de esta exposición une estas caleidoscópicas acepciones. Por un lado el de la confrontación y a su vez el verso y la palabra. El verso y la palabra que nos comunican y nos acercan "hacia" o "en dirección" al "otro" y nos permite el diálogo. Todas las obras que componen esta muestra están construidas con poemas y, por tanto, con "versos". Por su envés semántico: el temor del poder "frente a" la conciencia y la verdad que se halla tras el pensamiento y su comunicación. Ese miedo provocado por el temor a la pérdida de su hegemonía. El terror de la tiranía a su influencia y posible contagio de ideas contrarias a las que les sustentan. Esto se traduce en la opresión de cualquier forma de pensamiento opuesto a sus designios, acallando a aquellas personas que se atrevan a disentir. Como resultado nos encontramos con la eterna figura del preso de conciencia.
Versus: "Preso de Conciencia"
Bajo este título comienza la parte fundamental de esta exposición. Lo inicié con la elaboración de un proyecto para una pieza inserta en la Ruta del Arte, sita en el Parque Natural de la Sierra de Huelva, en Almonaster la Real.
La obra se encuentra en el sendero, unida a un viejo alcornoque. Consiste en una gran bola (de 70 cm de diámetro) de hierro, conformada por las letras que proceden de un poema de San Juan de la Cruz. Dicha bola está unida por una cadena (durante un año) y ésta a su vez a un grillete que anilla el árbol. Esto crea una paradoja visual como metáfora. Un árbol preso, cuyo movimiento queda impedido o retrasado por el gran peso del texto. El hecho absurdo de apresar un árbol es similar a arrestar a alguien por sus ideas. El pensamiento es libre. No hay prisión que pueda encerrar las ideas. Es el afán del tirano eliminar al mensajero y el motivo de ataque a la cultura y al arte (intelectuales y artistas) que pueden transmitir esas "peligrosas" ideas.
Un preso de conciencia4 o prisionero de conciencia (POC por sus siglas en inglés Prisioner of conscience) es cualquier persona encarcelada por su raza, religión, color de piel, idioma, orientación sexual o credo, mientras no haya defendido o practicado la violencia. El término fue creado por la asociación defensora de los derechos humanos Amnistía Internacional a principios de los años 60.
El 28 de mayo de 1961, el artículo The forgotten prisoners lanzó la campaña Appeal for Amnesty 1961 y definió por primera vez prisionero de conciencia como
«Cualquier persona a la que se le impide físicamente (por prisión u otras causas) expresar (en cualquier forma de palabras o símbolos) cualquier opinión que mantiene honestamente y que no defiende ni justifica la violencia personal». También excluye las personas que han conspirado con un gobierno extranjero para derrocar el propio.
El principal objetivo de esta campaña, iniciada por el abogado inglés Peter Benenson y un pequeño grupo de escritores, académicos y abogados, entre los que destacaba el activista pacifista y cuáquero Eric Baker, fue identificar prisioneros de conciencia en todo el mundo y hacer campaña por su liberación. A principios de 1962, la campaña había recibido tanto soporte público que se convirtió en una organización permanente y cambió su nombre a Amnistía Internacional (AI).
Amnistía Internacional ha presionado a los gobiernos desde que fue fundada para liberar las personas que considera prisioneros de conciencia. Los gobiernos acusados suelen negar que los prisioneros tengan el estatus de prisioneros de conciencia y sí que son un peligro para la seguridad de sus países.
El poema que he elegí para realizar esta primera obra, es el segundo poema de San Juan de la Cruz5 de su libro "Cántico espiritual", que dice así:
Pastores, los que fuerdes
allá por las majadas al otero,
si por ventura vierdes
aquél que yo más quiero,
dezilde que adolezco, peno y muero.
La intensidad de este poema, escrito en castellano antiguo, refleja la situación de prisión que sufría en el momento de su creación el propio San Juan de la Cruz, por defender su propia fe y su conciencia.
San Juan de la Cruz (1542 -1591) fue encarcelado6 por la propia Iglesia, en una prisión-convento, acusado de apóstata. Hoy esto nos llena de estupor.
"En este contexto es en el que se produce el encarcelamiento de Juan de la Cruz, quien ya en 1575 había sido detenido y encarcelado en Medina del Campo durante unos días por los frailes calzados. La noche del 3 de diciembre de 1577 Juan de la Cruz es nuevamente apresado y trasladado al convento de frailes carmelitas de Toledo, donde es obligado a comparecer ante un tribunal de frailes calzados para retractarse de la Reforma teresiana. Ante su negativa, es recluido en una prisión conventual durante ocho meses.
Durante este periodo de reclusión escribe las treinta y una primeras estrofas del Cántico espiritual (en la versión conocida como protocántico), varios romances y el poema de la fonte, y los canta en su estrecha reclusión para consolarse.
Tras concienciarse de que su liberación iba a ser difícil, planea detenidamente su fuga y entre el 16 y el 18 de mayo de 1578, con la ayuda de un carcelero, se escapa en medio de la noche y se acoge en el convento de las Madres Carmelitas Descalzas, también en Toledo. Para mayor seguridad, las monjas lo envían al Hospital de Santa Cruz, en el que estuvo mes y medio.
En 1578 se dirige a Andalucía para recuperarse completamente."
Este poema místico, que es un poema de amor, conecta con el paseante (en el lugar del pastor) y lo hace cómplice de su mensaje. Esta pieza estará presente en la exposición de forma virtual mediante vídeo.
No nos olvidemos que la intolerancia y el fanatismo no es patrimonio de "los otros", ni de una época concreta...
La obra se completa con una gran instalación, compuesta por otras tres piezas similares: sendas bolas compuestas por los restos de diversos poemas situadas en uno de los espacios de la galería. Sobre el suelo y pared, una órbita de texto en cada una de ellas, que sugiere un recorrido por distintos planos. Los textos proceden de dos autores diferentes pero unidos por una circunstancia similar: los tres fueron encarcelados por sus ideas o tendencias. Distintos motivos y diferentes regímenes o circunstancias.
Dos ejemplos (de entre muchos posibles): Reynaldo Arenas y Miguel Hernández.
Reynaldo Arenas: Fragmento del poema "Voluntad de vivir manifestándose"
(Prisión del Morro. La Habana, 1975):
Han danzado sobre mí.
Han apisonado bien el suelo.
Se han ido, se han ido dejándome bien muerto y enterrado.
Este es mi momento.
Miguel Hernández: fragmento del conocido poema "Nanas de la cebolla". Cuando está en prisión (1939) su mujer Josefina Manresa le envía una carta en la que le comunica que sólo tenía pan y cebolla para comer. Ello inspiró como respuesta este poema, dedicado a su hijo Manuel Miguel, nacido en enero de ese mismo año:
Tu risa me hace libre,
me pone alas.
Soledades me quita,
cárcel me arranca.
Boca que vuela,
corazón que en tus labios
relampaguea.
La vista para la perfecta visión será desde el mundo virtual, a través de la cámara de la galería conectada a Internet. Ese instinto de voyeur que cada uno posee en el lado oscuro, es utilizado por los medios de masa y llevados hasta el extremo. El patetismo de "gran hermano" en la búsqueda de audiencias, crea un subproducto para la perfecta alienación del individuo. Nos muestra unas conductas nada halagüeñas y dentro de una didáctica de negación del intelecto más elemental que crea perniciosos patrones de conducta. Ese gran ojo, es mostrado en esta instalación con ironía. Pero incluye una dualidad semántica. Es una obra abierta. La realidad del "preso de conciencia": recluido en contra de su voluntad, pero libre en su pensamiento. Frente a éste, el que voluntariamente se recluye por un no muy loable fin y cuyas ideas están impregnadas de los "valores" de una sociedad decadente y de unos medios que prefieren la negación de una actitud crítica o de un pensamiento libre y analítico. No sorprende que al frente de estas cadenas se hallen empresarios capaces de manipular el sistema y presidir un país en su propio beneficio. Peligroso unir en una mano el poder político, los medios de comunicación y el poder económico. Hay ciertas formas de libertad democrática que poco distan de la tiranía. A un dictador se le reconoce de una manera clara y personal. Pero en la actualidad muchos de los países que enarbolan la bandera de la "libertad" y la democracia, esconden sutiles (o no tan sutiles) formas de tiranía y de agresión hacia países o culturas más débiles. El ansia de imperio y conquista continua como en la antigüedad. Pocos progresos hemos hecho al respecto. Las leyes, incluidas las internacionales son para aplicarlas sólo a los más débiles. Las cárceles están llenas de pobres. Se inventan nuevas dinastías, incluso en sistemas comunistas. Es el ansia de perpetuarse genéticamente, como ocurre en la naturaleza que llamamos "salvaje". La burda ley de la selva ligeramente sofisticada...
Podemos analizar nuestro pasado reciente en relación con este tema7:
En el 50 aniversario del WiPC, éste creó una lista de 50 casos emblemáticos que reflejan el trabajo del comité desde 1960. Bajo el lema "Because Writers Speak Their Minds" (Porque los escritores expresan sus opiniones), la campaña arroja luz sobre escritores históricos prominentes como Josef Brodsky y Vaclav Havel, casos más recientes como los de Anna Politkovskaya, Ken Saro-Wiwa y Salman Rushdie, y el caso de Liu Xiaobo, el único de los 50 que sigue en la cárcel.
Directivas de un pasado reciente son también conocidas por el nombre eufemístico de "Decreto Noche y Niebla" o (en alemán "Nacht und Nebel"), o también conocido como "Decreto NN", en referencia a su particular operativa y en la aplicación de prácticas de desaparición forzada de personas, incluyendo el asesinato de prisioneros de guerra cuyos derechos estaban protegidos entonces por la Convención de Ginebra. Los prisioneros tomados en aplicación de este decreto, eran deportados de manera oculta, sin que se conservase testimonio o registro de los hechos y sus circunstancias, a campos de concentración específicos como el de Struthof-Natzweiler, en la Alsacia anexionada, o el de Gross-Roden, en Alemania, donde eran identificados en sus ropas con las letras NN y conocidos como prisioneros NN.
La evocación de la noche y niebla es recordada por los testigos directos de los vuelos de la muerte, practicados en Argentina, donde la metodología NN fue integrada a través de la doctrina de la contrainsurgencia.
La Operación Cóndor o Plan Cóndor es el nombre con el que es conocido el plan de coordinación de operaciones entre las cúpulas de los gobiernos dictatoriales del Cono Sur de América -Chile, Argentina, Brasil, Paraguay, Uruguay y Bolivia- y con la CIA de los EE.UU., llevada a cabo en las décadas de 1970 y 1980.
Enmarcada en la Doctrina Truman, esta coordinación se tradujo en "el seguimiento, vigilancia, detención, interrogatorios con apremios psico-físicos, traslados entre países y desaparición o muerte de personas consideradas por dichos regímenes como 'subversivas del orden instaurado o contrarias al pensamiento político o ideológico opuesto, o no compatible con las dictaduras militares de la región'". El Plan Cóndor se constituyó en una organización clandestina internacional para la práctica del terrorismo de Estado que instrumentó el asesinato y desaparición de decenas de miles de opositores a las mencionadas dictaduras, la mayoría de ellos pertenecientes a movimientos de la izquierda política.
En el "otro lado" tenemos La Gran Purga (en ruso: Большая Чистка, transliterado como Bolshaya Chistka), aunque más comúnmente conocida en Rusia como Ежовщина (Yezhovshchina 'Era de Yezhov') fue el nombre dado a la serie de campañas de represión y persecución políticas llevadas a cabo en la Unión Soviética en el final de la década de 1930. Cientos de miles de miembros del Partido Comunista Soviético, socialistas, anarquistas y opositores fueron perseguidos o vigilados por la policía, además se llevaron a cabo juicios públicos, se enviaron a cientos de miles a campos de concentración y otros cientos de miles fueron ejecutados.
La campaña de represión desatada en la Unión Soviética fue crucial para consolidar en el poder a Iósif Stalin. Si bien los soviéticos justificaron posteriormente esta cruenta medida, argumentando que se limpió el camino de elementos «saboteadores» o disidentes para la futura guerra con la Alemania Nazi, una gran cantidad de las víctimas eran miembros del Partido Comunista y líderes de las Fuerzas Armadas. Otros sectores de la sociedad que sufrieron la persecución fueron los profesionales, los kulaks (campesinos burgueses) y las minorías, que fueron vistas como una potencial «quinta columna». La gran mayoría de estas detenciones fueron llevadas a cabo por el Comisariado del Pueblo para asuntos internos, también conocido como el NKVD.
Pudimos contemplar recientemente en Sevilla una gran exposición de una de las víctimas de este régimen: el artista Gustav Klucis.
Mucho más recientes son los casos de Daw Aung San Suu Kyi. Ella es la más destacada de entre las más de 2.100 personas detenidas por motivos políticos en Myanmar. Muchas de ellas permanecen recluidas en condiciones deficientes y corren peligro de sufrir tortura u otros malos tratos. Las condiciones de las prisiones myanmaras están deteriorando la salud de muchos presos políticos.
Reynaldo Arenas escribe desde el exilio a sus amigos una carta póstuma:
"Queridos amigos: debido al estado precario de mi salud y a la terrible depresión sentimental que siento al no poder seguir escribiendo y luchando por la libertad de Cuba, pongo fin a mi vida. En los últimos años, aunque me sentía muy enfermo, he podido terminar mi obra literaria en la cual he trabajado por casi 30 años. Les dejo pues como legado todos mis terrores, pero también la esperanza de que pronto Cuba será libre. Me siento satisfecho con haber podido contribuir aunque modestamente al triunfo de esa libertad. Pongo fin a mi vida voluntariamente porque no puedo seguir trabajando.[...]. Mi mensaje no es de derrota, sino de lucha y, esperanza. Cuba será libre. Yo ya lo soy".
Podemos continuar enunciando casos y la lista sería, a mi pesar, demasiado larga... No hay unas ideas políticas, ni religiosas concretas, ni hace falta remontarse en el tiempo ni viajar a latitudes lejanas para encontrar personas que en este momento están sufriendo duras consecuencias por algo tan simple como expresarse.
La esfera es el elemento volumétrico fundamental. Lo he utilizado en mi obra de manera reiterada. Es, en mi opinión, la forma esencial de la materia y por tanto unidad elemental del instrumento escultórico, tanto a nivel formal como conceptual.
En la instalación "Preso de Conciencia" son protagonistas las esferas y las circunferencias (textos) tangentes entre sí. Pero esto difícilmente se podrá observar estando físicamente dentro de esta instalación. La anamorfosis permite que la imagen se visualice perfectamente sólo desde un punto de vista concreto. En este caso este punto de vista se halla en una cámara conectada a Internet. Es decir, sólo desde este medio, de forma "virtual" se podrá observar la verdadera imagen. Es una paradoja espacial que funciona como metáfora de la verdad. No siempre observamos la realidad con precisión cuando estamos embutidos en ella. La imparcialidad requiere de distancia que evite la manipulación de lo inmediato y nos dé la perspectiva necesaria. O contemplamos realidades diferentes en distintas dimensiones o escalas. El universo macro o micro nos rodea y nos compone. A su vez, la revolución de la información está en la RED, y vemos actualmente sus frutos en las recientes "red-voluciones" de países cercanos del norte de África y Oriente Próximo o el revulsivo de WikiLeaks y la vergonzosa detención de Julian Assange. Es también nuestra realidad contemporánea.
El texto como cadena, como amarre que une o ata. La esfera como el elemento esencial de nuestra naturaleza. Nuestro macro-universo, compuesto de astros, planetas y satélites que componen las galaxias, imperceptibles a nuestros ojos, se concentran en esferas de materia mediante el magnetismo. Luz y tiempo se doblan ante esta fuerza. Materia que, concentrada a una densidad extrema, se convierte en oscuridad que todo lo absorbe y que podrían ser las puertas del futuro. La teoría de la relatividad8 general propone que la propia geometría del espacio-tiempo se ve afectada por la presencia de materia, de lo cual resulta una teoría relativista del campo gravitatorio. Ésta predice que el espacio-tiempo no será plano en presencia de materia y que la curvatura del espacio-tiempo será percibida como un campo gravitatorio. Es la misma materia de la que se nutre la escultura. La esfera es el perfecto cuerpo de revolución (4·Π·R2 ).
Por otro lado en la micro-realidad, como observaron Bohr, Planck o el propio Einstein, que definía:“el átomo es un pequeño sistema solar con un núcleo en el centro y electrones moviéndose alrededor del núcleo en órbitas bien definidas”. Volvemos a la forma esencial de la esfera y al equilibrio de energía entre los elementos que lo componen. De la misma forma, estos poemas "orbitan"...La energía de las ideas que equilibran nuestro mundo y modelan la realidad.
Versus: Obras en galería
En esta muestra que inauguro en la Galería Weber-Lutgen bajo el título "Versus/Preso de Conciencia", incluye además de "Preso de Conciencia" otro conjunto de obras que describo a continuación.
"Original Sin"9, con una dualidad semántica: en castellano o en inglés (pecado original). Por un lado la negación de lo original, ya que planteo una imagen que todos reconocemos como una cadera femenina en primer término. Por otro el concepto católico del pecado que proviene de la mujer. Para varias de las religiones10 del tronco bíblico (entre ellas el judaísmo y el cristianismo) el pecado original es el pecado cometido por los primeros padres de la humanidad (Adán y Eva) al desobedecer el mandato divino de no comer del árbol del conocimiento del bien y del mal. Es la "culpa" que la religión ha cargado sobre la mujer y sobre su sexo como instrumento del pecado. Fenómeno que ha provocado ríos de tintas y de elucubraciones teológicas, a menudo de lo más peregrinas...Una obsesión que repudia el lugar a través del cual todos hemos visto la luz... Resulta una paradoja. Algo que presento en la obra como blanco, inmaculado y limpio, pero a su vez sensual.
Por otro lado, una instalación escultórica con cierta vinculación con la anterior: "Pródromo". Este título alude directamente al "pródromo de parto", que conocemos también como "romper aguas" y los dolores que preceden al alumbramiento. Representado por una especie de bola textual eclosionada, que se derrama sobre el suelo de la sala. Procede del fragmento de un poema de Santa Teresa: "Vivo sin vivir en mí", también presente en una de las esferas de "preso de conciencia". Obra de múltiples lecturas. La gestación de las ideas. Pero también lo que se desinfla, como diría Brea11: "antes y después del entusiasmo"...
Presento también un conjunto de piezas bidimensionales bajo el título "Hombres de Luz", realizadas mediante estampación (monotipos) sobre papel superalfa y vinilo, jugando con el vacío o pequeñas ausencias a modo de relieve. Las letras empleadas en estas obras proceden del texto de Blas Infante que compone el himno de Andalucía. Decía Blas Infante12 : “Yo tengo clavada en mi conciencia, desde mi infancia, la visión sombría del jornalero. Yo le he visto pasear su hambre por las calles del pueblo, confundiendo su agonía con la agonía triste de las tardes invernales...”. Esta obra enlaza con la idea de "preso de conciencia", pues como sabéis, fue víctima de la barbarie por defender sus convicciones y un ideal andaluz, curiosamente no nacionalista. Hoy supone nuestra realidad autonómica que ha sido asumida con toda naturalidad. Esto que hoy vemos como un concepto normal integrado en el estado, supuso en su momento una amenaza al sistema que le costó su vida.
Situación absurda que hoy vemos tan lejana pero que se repite en estos momentos en otros muchos lugares. La ignorancia es la verdadera prisión de la conciencia. Tenemos el compromiso moral de evitar la alienación que nos imponen, formarnos mediante la educación y la cultura, e informarnos a través de los medios destilando lo real de lo manipulado...No es una tarea fácil.
Otras piezas escultóricas son poemas13 que surgen como formas vegetales. Esculturas como cactus, tituladas "poeta maldito". Formas orgánicas en acero, que atraen y amenazan de una manera latente o una defensa pasiva. Como la autoprotección de muchas personas altamente sensibles que provocan un continuo rechazo, una especie de misantropía latente. Junto a éstas, otras piezas similares, sin espinas, que podrían formar un conjunto "vegetal" como un jardín poético donde las palabras se alimentan y crecen.
Otra pieza presente en la exposición es "2 Hearts", fonéticamente puede entenderse como "dos corazones" o como la canción de Willy Deville ("Demasiado Corazón"). Obra de 2008, ya expuesta en Alemania, que representa dos corazones unidos formados por letras de acero (procedente de un poema de amor), y cuyo peso parece impedir que se eleve... La tensión se mantiene mediante un cable de acero que "alza" la escultura.
La última pieza es "La Grieta" (2008). Se trata de una edición gráfica que procede del poema14 del mismo título, a la que acompaña un vídeo (poema animado) con sonido. Con esta obra realicé (editada por la Galería Weber-Lutgen15) un libro de artista, que contiene 60 de las piezas. En esta ocasión vuelvo a presentar el vídeo y la edición del original (de 7 ejemplares) realizado en serigrafía y compuesto por la totalidad (120) de las piezas. El resultado final conforma una obra compuesta por 6 piezas de 100x70.
A su vez, presento los vídeos con los documentos de las distintas acciones y performances que he realizado en los últimos años: "Arte Comestible"(1997-2000), "Proyecto Sísifo" (2002), "H2(ART)O" (2006), "Razones de Peso" (2008), "The River of Memories" (2009), "ARCO: Fiera de arte contemporáneo" (2010) y "Proceso de Paz" (2009).
Todas ellas contienen historias. Cada una está abierta a comunicarse con el que observa. Si alguna le transmite o emociona sólo entonces el esfuerzo habrá merecido la pena.
Algovi VERSUS Plensa
Quiero aprovechar la ocasión para realizar una pequeña apreciación y apostillar en este texto la relación que muchos hacen de mi trabajo con el de Jaume Plensa.
Siempre un artista tiene la esperanza de la equidad de la crítica y la justa posición de las investigaciones mediante la criba del tiempo. Pero, ante la ausencia de apreciaciones, y mis dudas a que esto finalmente ocurra, quiero realizar algunas aclaraciones al respecto.
A lo largo de la Historia, muchos han sido los que han utilizado el texto como elemento plástico. No sólo en el ámbito de la llegada de las vanguardias históricas. En oriente la caligrafía ha sido un arte. La caligrafía japonesa o china es una especialidad que requiere de una ardua formación. Más cercana (como andaluz) está toda la ornamentación del mundo islámico, presentes en las yeserías de nuestros palacios. En el siglo XX llegan las vanguardias históricas como el cubismo que gustaba del empleo e inclusión de números o letras como elementos gráficos. Poco después surgió el dadaismo con obras puramente textuales. Con la explosión del arte conceptual en los 60 /70 y el neoconceptual de los 90, el texto y la palabra volvió a tomar relevancia. En el ámbito de la escultura hay menos ejemplos, pero podemos destacar el famoso "Love" de Robert Indiana. También es fundamental la eclosión de la poesía visual, que aunque tiene una primordial preocupación "literaria" hace hincapié en el aspecto gráfico. Los poetas visuales suelen proceder del ámbito literario y en él referenciarse. No es mi caso. Mi mundo y vocación ha sido siempre la plástica. Dentro del ámbito nacional, sin duda destacar al principal y magistral exponente: Joan Brossa. En él se halla en la perfecta frontera entre lo poético y lo plástico. En estos últimos años encontramos una nueva corriente "letrista" en las artes plásticas que incluso ha llegado al ámbito publicitario.
Mis influencias iniciales fueron muchas, muy diversas y normalmente cercanas. Artistas andaluces de los ochenta que he mencionado en ocasiones anteriores, por su manejo magistral de la iconografía como fueron Chema Cobo o Larrondo, más conceptuales como Rogelio López Cuenca o poéticos como es el caso de José Mª. Báez, etc. Pero mi interés derivó pronto (aunque de una forma multidisciplinar) hacia la investigación tridimensional, en el que hay un ámbito más amplio (en mi opinión) para la experimentación. En especial hacia la instalación y el arte de acción.
El intento desde mis comienzos, en la segunda mitad de los ochenta, fue el de fusionar poesía o el texto con la obra plástica en la escultura-instalación. Este interés fue madurando y tomando cuerpo físico en la década de los 90, con obras como "$ARCASMO" (1992) o "EGOI$MO"16. En estas obras ya utilizaba las letras procedentes de textos o palabras para realizar la pieza final. Pero fue tomando mayor forma tridimensional en trabajos como "AMNESIA"17 (1994, instalación interactiva) y más tarde (1996) la conclusión con la instalación "El Poder te escucha"18 .
Sin embargo fue en 1999 cuando realmente conseguí dar el salto técnico con la realización del monumento situado en la ciudad de Jaén en la Plaza de las Batallas:"Es-Cultura" (obra inaugurada en diciembre de 1999 y realizada en acero cortén de 4 m de altura). Esta técnica se visualiza especialmente en la instalación multimedia "Ánima Cíclica" del mismo año (1999). Con esta última descubrí la manera tanto formal como conceptual de aunar perfectamente poesía y plástica. La pieza central está compuesta de letras de acero cortén procedentes de dos poemas19 complementarios, deconstruidos literalmente en la obra. El "poema rojo", compone la gran "gota" formada por la reunión desordenada de sus letras, soldadas entre sí, conformando la estructura orgánica y líquida...El "poema verde" (green) es la segunda parte del poema central, que se "derrama" en el suelo inundando el espacio...A esta escultura-instalación central, le acompaña una proyección audiovisual (proyección de diaporamas, que más tarde transformaría en vídeo) con sonido. El ciclo del agua como metáfora de la vida y sus emociones. Poema deconstruido en acero transformado en algo liviano como una gota que se derrama sobre el suelo y se diluye en éste.
Esta obra la expuse en una project-room20 en la feria de arte contemporáneo Art Ibiza en el año 2000. La volví a exponer en mi individual en el Museo de Huelva21 en el año 2001. Obra presente en el libro22 presentado en la exposición individual que realicé en "The Air Gallery" (Londres, año 2002) escrito por Margarita Aizpuru y Lisa Green. En el año 2003 y tras dos individuales en Miami (Art Miami) y New York (Art New York), por tercera vez mostré esta obra ampliada (con 20 impresiones digitales sobre lienzo de 100x81 cm) en una nueva individual (One-Man-Show)23 que realicé en la feria de arte contemporáneo Art Chicago. Curiosamente Jaume Plensa estuvo ese año muy presente en Chicago, trabajando en su famosa fuente de leeds. A escasos 50 metros de mi stand (Galería Isabel Ignacio), estaba la galería de Chicago Richard Gray Gallery, con una colectiva en la que Plensa presentaba una obra muy brossiana de unos 2 m de altura ("War?, Whi?), con letras planas (sin volumen y no orgánicas).
Algunas personas vinculadas con esta galería se pasaron por mi exposición interesados sobre mi obra y la técnica empleada, etc., dada la utilización de "letras".
Dos años después (2005) realicé otra exposición individual, esta vez en el Museu d'Art Modern de Tarragona24, en la que volvía a estar presente esta pieza, junto a otras nuevas realizadas con una técnica similar, como "Coraza", "Tears of Light", etc.
Plensa presenta ese mismo año (2005) su nuevo trabajo con todo el apoyo institucional, y con una gran defensa de su obra por parte de sus galerías a nivel internacional y hoy reconocida por el "gran público". Nuevo trabajo curiosamente realizado con la exacta misma técnica empleada por mí años antes: formas orgánicas (en esta ocasión una figura humana en lugar de una gota) compuestas por poemas deconstruidos (no suyos) que se derraman en el suelo. ¿Misterio o casualidad?.
Estos datos son fácilmente comprobables y esta parte de mi trabajo está catalogado.
Por mi parte, en esos años seguí profundizando en esta técnica y realizando más obras en esta línea...pero, por supuesto, sin recoger los grandes "éxitos" y el apoyo que tuvo la obra de Plensa. Pero lo más curioso es que a partir del 2005, todo el mundo empezó a relacionar mi trabajo con el de este otro escultor y a señalar mi obra como "con cierta influencia"...¡¡¿Cómo va a influir el trabajo de un artista 13 años más joven, a un pope del arte contemporáneo nacional ?!!...
Por otro lado es difícil trabajar al mismo ritmo que un escultor que cuenta con una nave industrial cerca de Barcelona con varios soldadores y operarios a su cargo, personal informático para resolverle los problemas, transportistas, presupuesto, grandes ventas, importantes galerías en distintos países, apoyo total de las instituciones, catalán (comunidad que apoya decididamente a sus artistas), con apoyo incondicional de todo el sistema del mercado del arte, etc...Sólo tiene que poner sus ideas...Eso es lo único que el público le exige.
Sin duda el mercado suele inclinarse por la elección de artistas "dóciles", que no cuestionen el sistema y que no resulten "incómodos"...Ni mi obra, ni mi persona encajan dentro de estos parámetros.
No estoy acusando a nadie de plagio. Creo en la libertad. Pero desde luego quiero dejar meridianamente claras mis influencias...Entre ellas no está Plensa, a pesar de la apariencia y de que, en mi opinión, sea uno de los escultores españoles más interesantes del panorama actual. Como bien sabemos, a menudo las apariencias engañan.
Jesús Algovi. Sevilla febrero de 2011
1. Lázaro Carreter, Fernando: El dardo en la palabra. Barcelona: Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores, 2001, pp. 332-334]
2. http://es.wikipedia.org/wiki/Verso.
3. Diccionario de la Lengua Española. Vigésimo segunda edición.
3. http://es.wikipedia.org/wiki/Preso_de_conciencia
4. De la Cruz, San Juan. "Poesía". Edición de D. Ynduráin. Ed. Cátedra. 13ª Edición. Madrid, 2004. Página 249
5. http://es.wikipedia.org/wiki/San_Juan_de_la_Cruz
6. wikipedia
7. Einstein, Albert. "El significado de la relatividad". Ed. Planeta Agostini. Barcelona. 1985.
8. Óleo sobre lienzo de 200 x 200 cm, compuesto por 4 piezas de 100x100 cm.
9. http://es.wikipedia.org/wiki/Pecado_original
10. José Luis Brea, "Before and After the Enthusiasm. Spanish Art 1972-92", 1989, SDU Publishers, La Haya
11. Infante, Blas. (1915) "Ideal Andaluz", Sevilla. Avante. 2ª Ed. Túcar, 1976. Reed. Junta de Andalucía. 1982.
12. http://www.jesusalgovi.es/14.html
13. http://www.jesusalgovi.es/14.html
14. Edita Galería Weber-Lutgen. Impreso por Padilla. Edición de 100 ejemplares compuestos por 60 piezas cada uno. Sevilla. 2008.
15. Catálogo de Obras Finalistas. FOCUS 1996.
16. Catálogo "Sevilla en Artes Plásticas". Ed. Área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla. DL: SE-990-96
/ Catálogo Bienal D'Art 1996. Museu D'Art Modern. Tarragona. DL-T-1611-1996
17. Catálogo Bienal D'Art 1998. Museu D'Art Modern. Tarragona. DL- T-1054-1998
18. http://www.jesusalgovi.es/14.html
19. Catálogo ART IBIZA 2000. Ed. Conseil Insular. Consellería de Cultura. Ibiza 2000.
20. Catálogo. "Jesús Algovi: Ánima Cíclica". MUSEO DE HUELVA. Ed: Área de Cultura de la Diputación de Huelva. DL: H-14-1997
21. “JESUS ALGOVI”. Margarita Aizpuru and Lisa J. Green. Ed. Ashley Jenkis Publishers. Seville (Spain). 2002. ISBN: 84-607-5896-6.
22. Catálogo ART CHICAGO 2003. Páginas 228-229. USA.
23. Catálogo "Jesús Algovi: Palabras Naufragadas". Museu d'Art Modern. Ed. Diputació de Tarragona. DL-T-1550-2005.
Babell (Texto del catálogo).
Exposición realizada en la Galería Weber-Lutgen, en Sevilla, septiembre de 2007)
1.INTRODUCCION
Abro la puerta que mantiene en penumbra el descanso de una noche densa. El brillo intenso de una luz clara y cálida encoge al instante mis pupilas. Soleada mañana, típica en esta estación del año y de esta tópica latitud mediterránea. Después del asueto de un frugal desayuno, salimos dispuestos a dar un paseo por los alrededores de la casa familiar que nos acoge.
Ella me guía por los restos de lo que debió ser un antiguo camino, flanqueado por algunos vetustos cipreses, supervivientes al hacha del tiempo. A escasos cincuenta metros, nos encontramos con un olivar cuyo perímetro, a la vista de su protección, evoca la presencia de un recinto sagrado. Ya en su interior, solitario, nos dirigimos hacia el corazón del mismo. Divisamos entre las contorsionadas ramas de sus árboles una pequeña elevación del terreno. Acompañan nuestros pasos el eco del canto intenso de los pájaros y el zumbido amarillo de miles de insectos, afanados en la febril tarea que trae la primavera. En el centro, y bajo un sol cenital, se yergue un túmulo de tierra, a modo de cono truncado, de unos diez metros de altura. Desde su cima, los dos contemplamos silenciosos el paisaje: profundo azul del mar, abrazado por la amplia llanura de Maratón. Se besan en la infinita y blanquecina línea de su playa, coronada por las majestuosas montañas que ocultan Atenas. Podemos oler la hierba y una alborotada profusión de flores, que inundan mi alérgica nariz con el extraño polen de los muertos. Bajo nuestros pies, heroico humus, sustanciosa tumba que acoge los restos de 192 soldados atenienses. Guerreros que derramaron su vida en una crucial batalla. Tan lejana y cercana al mismo tiempo.
Diez mil soldados atenienses frente a veinticinco mil persas. Lucha que resolvió una larga etapa de tensión entre Oriente y Occidente, con la victoria final -recordada durante siglos- del ejército griego.
Pero hay algo incongruente en su sepulcral silencio. Nada hemos aprendido. La paradoja de la civilización: hemos evolucionado creando instrumentos mucho más letales y desarrollando una muerte absolutamente más indiscriminada y masiva. Pero la misma primitiva mentalidad ambiciosa y agresiva. La diferencia es que los “héroes” están ya obsoletos, aunque nos los recuerden reiteradamente en el celuloide, simulacro para aplacar las conciencias y enardecer los corazones por instinto belicosos, intentando justificar la más absoluta de las barbaries. Y en manos del poder está la sutil diferencia que separa los conceptos de héroe o asesino…
El motivo en esencia es eterno y sencillo: la codicia de lo ajeno.
Al pie del túmulo reza en una placa la fecha de la batalla: 490 antes de Cristo, la mañana del 11 de septiembre.
2. NUDO
En el mismo valle, a pocos kilómetros de este mítico lugar, subiendo la montaña, nos encontramos con un espacio similar. Pero diferente en el tiempo y en su sustancia. Un cementerio que alberga los restos de cien mil soldados muertos también en la batalla. No hay gloria. Sólo hedor a olvido y aroma de derrota. Pero hay dignidad. El oscuro honor del que ha muerto inútilmente. Juventud desperdiciada por la depravación que produce una maquinaria enfebrecida por la locura del poder y el fanatismo. Cien mil alemanes muertos en tierra griega durante la Segunda Guerra Mundial.
No creo que haya muerte útil, sino existencia útil. Aunque podamos encontrar motivos lo suficientemente sublimes o extremos como para sacrificar la vida por ello. Pienso que una muerte digna puede convertir la vida en algo útil y, al contrario, una vida inútil convierte el óbito en algo indiferente.
Sin embargo, no creo que ninguna guerra contenga una justificación lo suficientemente profunda como para entregar el ser. Si analizamos su razón última suele ser la codicia de los poderosos.
Podemos seguir contemplando a diario los coletazos de una última y triste contienda internacional. Sentimiento acentuado por las mentiras de los gobiernos y sus dirigentes, o por el silencio, que implica complicidad. Obvio es el motivo: el robo del petróleo y la ganancia del mercado armamentístico, y las excusas del mantenimiento un estilo de vida, cada vez más globalizado...Sacrificando diariamente vidas a cambio de algo negro y pegajoso, cáncer de nuestro planeta, como las letras que impregnan los grandes titulares...Las palabras huecas, sin sentido, la destrucción de los significados, la falsedad del marketing. El conflicto entre los ideales de una sociedad incongruente que nos enseña desde niños lo que después tenemos que paulatinamente olvidar. Perder la inocencia, para alcanzar el “éxito” y engancharnos a la devoradora máquina de los modelos impuestos como status de progreso...Impotentes nos contemplamos. Pequeños colaboradores necesarios. Participando como fichas en el juego.
3.DESENLACE
Eterno el retorno a mi lugar del que nunca realmente me he ido. Y vuelvo e exponer en Sevilla tras una década de ausencia. Paradoja de ser emigrante en tu tierra, viajero sin mudanzas pues sigue siendo la ciudad en que vivo, amo y trabajo. Afortunadamente mi obra si ha salido de nuestras fronteras. Eso me ha enriquecido como persona y como artista. Y me ha permitido vivir de ello.
Babell, título de esta exposición, es una doble referencia, un sencillo juego de palabras que fusiona Babel y el número 11. Una referencia clara de los acontecimientos que estamos viviendo en los últimos tiempos. Exposición generada a partir de la deconstrucción de poemas. Normalmente utilizo mis propios textos, pero en dos de las esculturas presentadas he utilizado fragmentos de sendos poemas de Leopoldo María Panero (Oh Pájaro Contra el Hombre, del libro “Danza de la Muerte”) y Andrés Sánchez Robayna (Madrid Para una Elegía, del libro “Correspondencias”).
Babell es una metáfora que puede describir la realidad contemporánea. A pesar de la evolución y desarrollo del ser humano, hay hechos embutidos en la piel estudiada de la Historia que repetimos como una irónica melodía. Errores ya conocidos, pero que la codicia ilimitada del hombre intenta ocultar con invisibles y efectivos recursos. Permanente esfuerzo de la autoridad para contrarrestar la inherente entropía de todo imperio.
El poder se camufla como un cáncer y se extiende por un mundo global. Nos genera una realidad artificial y paralela para alienar las conciencias y crear unos modelos o estilo de vida confeccionados a la perfecta medida de sus intereses.
El poder es multinacional y no tiene ni patria ni bandera, aunque las utiliza como arma necesaria para elaborar su estrategia, pero sin importarles realmente las sencillas gentes que la representan.
La mentira se institucionaliza y nos lleva con un sutil sarcasmo a la pérdida del valor de la palabra. Nos crea significantes sin significado, para lograr una realidad insignificante, material e insensible. Se convierte en un simple instrumento de manipulación.
El ser humano se quedará sin voz y sin la posibilidad de realizar un análisis crítico de su realidad.
La palabra es la mayor arma, la que nos distingue del resto de los animales y la que nos permite comunicarnos, elaborar un diálogo que nos acerque al “otro”, que nos permite conocernos y entendernos.
Conceptos como libertad, democracia, religión, amor, cultura, nación, etc., a menudo se plantean con tal ambigüedad o sarcasmo que nos conduce a un permanente escepticismo y a una falta de ideales.
El número 11, acompañado de distintas consonantes, se ha convertido en un símbolo de dolor, de ausencias. Cada una lleva una historia. Una multiplicidad que nombres, de rostros que dejan en otros profundas heridas. Todos somos parte de ellas.
Pero esas ausencias y ese dolor es el mismo, ya sea producido por unos pocos fanáticos o por ejércitos perfectamente pertrechados. Ese dolor nos une con palabras expresadas en multitud de lenguas, con significantes distintos pero con los mismos significados. Es la palabra, que se derrama como lágrimas. Las palabras que nos unen.
Jesús Algovi.
Maratón (Grecia), mayo de 2007
Poemas
"Me parece oportuno aclarar que me considero únicamente artista plástico (aunque “multidisciplinar”) y mi incursión desde hace casi veinte años en el mundo poético se debe a la fusión entre las artes y sus disciplinas. [...] Utilizo el texto y la poesía en mis obras. En los últimos años el poema se destruye en la misma realización del objeto." *
* Fragmento del prólogo del libro de poemas "La Frágil Solidez", publicado por Padilla en Sevilla en 2005, y presentado en la exposición individual de Algovi en la Galería Milagros Delicado en ese mismo año.
Breve Amor Eterno: Poemas (1997- 99)
Poema efímero
Otro color,
autre femme,
other faces,
other time.
Poema efímero: rosa
Tengo rosa en la mirada,
retenida en la cuenca
de unos ojos cegados
por un velo de amor desesperado.
Poema efímero: azul
Sílfide virgen: only you.
Idílico fóculo,
llorada anafia: solo...tú.
Poema efímero: rojo
Vértigo creando familia,
proteo de sangre,
genoma por estro de amor.
Poema efímero: amarillo
Recojo rastrojos dd-sastre,
soledad sonora,
ceniza en las miradas.
Poema efímero: Green
Figura que flota derivada,
marina de naufragio,
paisaje de cariño: Green.
* Este poema conforma, además del cuadro del mismo título, el objeto poema en acero que conforma las letras en el suelo de la escultura “Ánima Cíclica”.
Breve poema efímero
Ansiedad de la ausencia.
* Con cada uno de estos poemas (1998) realicé las obras (bajo el título “Breve Amor Eterno”, y recogidos en un catálogo y en la revista literaria El Trovador) que expuse en la Galería Martínez Montañés (Jaén) en 1999.
COLORES
Blanco
Blanco pensamiento,
pensamiento en blanco
sin nada que deciros,
Con nada que explicaros:
solo, en el silencio ausente.
Negro
Presente sin estarlo,
en la duda certera
de un dolor deseado.
Patente por su ausencia.
Amarillo Cadmio
Canto agudo
que afilado suena,
en cereal llanura
de pertinaz verano:
un solo de violín quebrado.
Oxido Rojo
Rojos reflejos recepcionan
lenguas de amores y odios,
acero y silencios.
* Este poema conforma el objeto-poema del mismo, realizado en acero y cuyas letras componen también la escultura central de “Anima Cíclica”
Tierra (ocre-siena natural)
Tierra que me has de ver,
tierra pasada.
Recuérdame en tus surcos
cuando vuelvas.
A otra cicatriz, otra cosecha.
Olvidado está el fruto:
brota nueva la sabia.
Peinadas siguen tus lomas
oliendo a bodegón rancio,
hípicos rectángulos
y a chapa negra con toro bravo.
Ciudad de ebria cultura,
Sigue sudando...
Tus silencios amarillos de verano.
A Jerez, donde nací.
Poema con el que está realizada una futura escultura (maqueta) para un monumento en Jerez (rechazada) en el 2000.
"La Frágil Solidez" (1999- 2004)
“Tensiones”
Invisibles los hilos
que nos mantienen
en tensión permanente.
Nos conducen
o nos atan
a una vida de múltiples destinos.
* Este “poema” es la inspiración de la serie “tensiones”. Está presente en el cuadro del mismo título (145 x 145 cm) 1999.
“Coraza”
Núbil destino de postrera espera,
traza en tu mano caminos de líneas
como una navaja:
Tu piel detecta un naufragio de sangre
Y boga en tus venas eterna, la duda.
* Poema presente en el cuadro del mismo título (200 x 130 cm), realizado en 1999. Perteneciente a la serie de “Ausencias”.
“Cicatrices”
Abañan tu mente
los cardiacos fantasmas,
de dolor jamás tan intenso producido.
Percude la herida consecuente
de batallas perdidas,
de cicatrices de fácil apertura:
negación de un destino,
decepción de unos ojos
que no enfocan los tuyos.
Con miedo a su consciente
temor, a su sospecha
- le delata su ausencia –
de que puede perderse una batalla,
mas no implica no vencer la guerra.
* De un fragmento de este poema parte el cuadro del mismo título (195 x 162) expuesto en el Museo de Huelva en el 2001.
MANÁ
Desciende a sus raíces
sedienta de escuchar
Los amables susurros de la tierra:
maná de Babilonia.
* Este poema lo empleé en la confección de la instalación “Maná”, de Arte Comestible (planchas de 200 x 200 cm y 500 de longitud) realizada en el 2000 en la Feria de Arte Art Ibiza.
Tears of Light (Lágrimas de Luz)
No sé qué decirte
ni cómo contemplarme,
en la más absoluta
decadencia.
No encuentro las palabras
que definan
el sórdido dolor
que trae tu ausencia.
Me derramo sin más.
*Poema perteneciente a la obra del mismo título: instalación escultórica con caja de luz (200 cm de altura) y poema en vinilo adhesivo sobre el suelo. Expuesto en la Galería Josef Nisters en 2003 (Speyer, Alemania).
El Discurso
Si el asesino canta amor,
el dictador libertad,
el invasor habla de paz
y el codicioso de solidaridad...
Es el poder que intenta camuflarse,
como un cáncer,
metastaseándose sistemático y global.
Que las palabras nos sigan dando luz
Y no tinieblas.
*Poema que conforma el objeto-poema del mismo título (acrílico s/ lienzo de 10 x 0.90 m) en forma de rollo. 2004.
Camuflado
Cuando todos intentan significarse
yo me diluyo.
Cuando intentan gritar grandes consignas
me mantengo callado.
Cuando todos quieren señalarse
y realizar la más arriesgada pirueta
o la más ingeniosa bufonada en la gran corte,
yo me escondo en el bosque del silencio.
Me camuflo en la nada.
Sólo tú
Sólo tu sonrisa me rescata
de noches perdidas
sosteniendo vidrios anónimos.
Sólo tu aliento me descansa
en nuestros días
de sábanas despiertas.
Sólo tu mirada merece la pena
del paso de los meses,
descubriendo permanentes sorpresas
en tu rutina.
Sólo tu ser me rescata
de una vida en tinieblas
para darte mi vida.
S/T
Poco a poco surge,
se dilata en esfuerzo
rompiendo líquidos temores.
Se derrama inesperadamente,
fusión que se divide
y poco a poco surge...
Comienza el inocente
coqueteo con el aire,
vuela transparente,
observa el mundo entero
ávidamente imprecavida.
La felicidad de la ignorancia.
*Este poema lo realicé, en vinilo textil (piro-serigrafía), estampándolo sobre los lienzos que conformaron la instalación "The Last Poem", en la individual en la Feria de Arte Contemporáneo Art-Karlsruhe 2006, que posteriormente formaron los lienzos de gran formato de la serie "Babell" en 2007.
Entimismado (ombligatoriamente)
Quiero matar neuronas
de mi ajado cerebro.
Quiero despertar el fuego
que abrasa mis bronquiolos,
dulcificar mi esófago
con saliva ignorada
y escuchar mis palpitaciones
con un latir eléctrico.
Matar, matar neuronas
de un cerebro excesivo
preocupado por las grandiosas cosas.
Que mi bulbo raquídeo
limite sus funciones
a mirarte tu ombligo.
Y avivar los instintos primarios
que enarbolan banderas,
si se posan mis ojos
en tu cuerpo desnudo.
Quiero quemar todas mis neuronas
en tus brasas,
en tus jugos calientes,
en mis ardientes ascuas.
Deseo morirme
en la más absoluta ignorancia,
absorto en tu ombligo redondo
fundido con el mío.
*Poema con el que realicé las esculturas en acero “The Towers”, “Coraza” y “Languidecer de Eco” (finalazadas en diciembre de 2004) y la serie en papel todavía sin título.
Tu eres la rosa de mi jardín soñado
La más hermosa flor de mi jardín.
La más hermosa de mi jardín en flor.
La flor más hermosa del jardín mío.
Mi hermoso jardín de la más flor.
Mi jardín de su flor hermosa mas
más jardín de la flor que mío...
Ya todo mi jardín para tu hermosa flor.
Y sólo tu hermosa flor en mi jardín.
Sólo entonces seré yo jardinero,
limpiaré tus pétalos,
y reluciré estambres de fértil polen.
¡Felices, en nuestro jardín monoflorido!
*Del título de este poema procede la pieza en plata (idéntico título), en edición de siete piezas, realizada en 2004.
La Duda
Siento la duda certera
que cae sobre mi ser
como bomba de racimo,
que se incrusta en mis órganos
y pudre mi epidermis.
La siento poco a poco
presionándome,
como una grave losa,
que sin motivo o ganas
aplasta la masa gris
de mi cabeza...
La ilusión que se esfuma,
la alegría que se pierde
y pasa ante mí
la sombra que fue mía:
Muda y escéptica,
Sin reconocerme.
Las Serpientes
Rodean mi cuerpo
las serpientes.
Sinuosas deslizan
sus lenguas eléctricas,
sus afilados dientes.
Colmillean mis venas
inyectando veneno
en mis fluidos.
Contemplo mis espasmos
como una ajena cáscara,
como vaina perdida
o familiar máscara...
Y sonrío doblando la mirada:
mis endorfinas
contienen el antídoto.
Sólo es cuestión de tiempo.
Por ello me repliego
en mi ausencia sutil,
me refugio en mi pábulo,
esperando el momento.
Poemas inéditos (2004 - 2008)
Despojos de primavera
Se derrama sobre mí
la primavera
del verde de tus ojos,
que inundan de esperanza
mis pupilas
si en ellas te reflejas.
Rosa cortada
y urgente prisionera.
Se abre el verde mar
y el brote de mis ruinas
ante el desastre de
tu primavera.
* Con este poema realicé la instalación (site specific) del mismo título, en la Galería Josef Nisters en 2005.
Pantera Herida
Negra como la ausencia
que muere en el aire,
que se mueve insolente
en su prisión perfecta
definida por ella.
Defendida por sus uñas retráctiles,
te acaricia o desgarra,
afilada como el viento del norte,
si te cruzas con ella.
Sus ojos te deslumbran
como faros alógenos
si te cruzas con ella,
si te roza suave
sin querer te provoca
inocentes aludes
que te arrastran muy lejos
y acabas inesperadamente sorprendido
en singular morrena,
prisionero incrustado
de su glaciar doliente.
Pantera herida.
Siento tu soledad
como mi llaga.
Tu distancia perfecta,
tu atrevido descaro,
tu belleza perfecta.
Pantera herida
ocultas tu cicatriz
entre las sombras,
te ocultas en el oscuro
agujero de la noche,
y en la amarga
violencia de tu boca,
la frágil dulce niña
que tu encierras,
y comparte su estancia
con tu hermosa Pantera.
El Eterno Retorno
Nuevamente el destino
me ha arrojado a una playa
que amanece dorada y desierta,
melancólica y clara,
de inocente presencia.
Casi imperceptibles,
metidos entre rocas,
pequeños rastros hablan
de recientes desastres,
de naufragios violentos,
desgarros de tormentas,
fragmentos de huracanes
y amnesia en cicatrices
con su eterna presencia
como testigos mudos.
Y el amor sube y baja
como la marea.
Nuevamente en la arena,
náufrago o gladiador
medio desnudo,
desembarco en tu playa
con un temblor nervioso:
frágil como un soldado
pisando un seis de junio
Normandía.
Inocentes las balas
que atraviesan mi carne.
Inocente es el búnker
que protege tu miedo.
Inocente la atalaya
de hormigón armado
con hierro de memoria
oxidado en el tiempo.
Y el amor sube y baja
como tu marea.
Baja en tu conquista,
te regalo mi pecho
hundido por metralla,
para que te alimentes.
Y la vida llega y se va
como la marea
Inocentes también ellas
como pilotos que observan
sus burbujas grises,
sus impersonales rastros
sobre la malla urbana.
Yo también inocente
pero volaba aquella tarde
por el cielo de New York
aquel mes de septiembre.
Cogía el tren en Atocha
la mañana de marzo.
Y moría entre mis manos
este pájaro en junio,
que tu recogiste
de una acera olvidada.
Y la vida va y viene
como la marea.
Seré de nuevo víctima
de inocente verdugo,
que blandirá de nuevo
su inocente arma.
¿ Disparará en mi frente
con la inocente bala,
con la cuerda que aprieta,
con la silla que abrasa?.
No lo sé realmente.
Pero mi cuerpo yace cansado
en el papel de novio de la muerte.
Y el amor baja y sube
como la marea.
*Un fragmento de este poema lo realicé, en vinilo textil (piro-serigrafía), estampándolo sobre los lienzos que conformaron la instalación "The Last Poem", en la individual en la Feria de Arte Contemporáneo Art-Karlsruhe 2006, que posteriormente formaron los lienzos de gran formato de la serie "Babell" en 2007.
Oración de la espera
Lleno voy de tu amor
y con tu amor camino.
Conduzco con tu amor
y con él yo trabajo.
Almuerzo con el amor
que me dejaste pleno.
Con todo tu amor duermo
y con él me desvelo.
Y espero a que tu cuerpo
me devuelva el aliento.
*Este poema en vinilo conformó la instalación a suelo en "The Last poem" (Art-Karlsruhe 2006).
Sólo Cuento
Sólo cuento
los días que
me faltan.
Sólo cuento
el tiempo que
me espera.
Sólo cuento
el momento
en que me llegue
el segundo en
que desaparezca.
* Con este poema en vinilo realicé la instalación en la Galería Art Boks en Aarhus (Dinamarca) en 2006. Y la Escultura “Torre III” (Acero cortén de 2 m de altura) expuesta en la Galería Weber-Lutgen, en Sevilla 2007.
“Corazón de Jesús”
Tuyo es mi corazón
lleno de heridas;
mi dolor pasado.
Tuyas son mis espinas,
la luz que le acompaña,
mi sangre y mi fe
siempre, siempre…
Tuya la cruz que
corona su cima.
Tuyos mis glóbulos
de amor
que empujan
sus latidos,
y que han devuelto
a mi ser
todo el sentido.
* Con este poema realicé la instalación en vinilo (suelo) "Babell", en la Galería Weber-Lutgen. Sevilla 2007.
Como el rayo de luna
Como el rayo de luna
estuviste a mi lado.
Como un relámpago
que ilumina y quema
lo que toca.
Fugaz e intenso
arrasa y hiere.
Con truenos sordos
y huecos
te abandona.
Huele a pelo quemado
y no queda un vello
en mi epidermis.
*Poema utilizado en “Tower”, escultura de acero cortén de 4 metros de altura. Expuesta en Sevilla, en la Plaza del Pumarejo (septiembre de 2007 - mayo de 2008).
Copenhaguen
Aquí dejo la ilusión
de un día.
Aquí dejo las aguas
del norte.
Dejo sus altas casas,
sus grandes ventanales
que en vano intentan
atrapar la poca luz
que se derrama
de su masa gris,
de un cielo jubilado,
reflejo podrido en sus canales
en donde aun se puede oler
la tristeza de Hammlet.
Copla a un Amor Perdido
No sé nada de ti.
Y ya nada siento
en las yemas de mis dedos.
Se me olvidó tu tacto.
No recuerdo tu aliento,
tu tersa piel,
tus formas,
ni la humedad en tu sexo.
Tengo amnesia en mis labios
Y alzheimer mi cerebro.
Pero aun mis pasos
temen tu encuentro.
Miedo al cruzar la esquina,
miedo al pisar tus calles,
miedo si veo tu pelo,
miedo a escuchar tu nombre,
miedo a rozar tu cuerpo.
Cada vez que esto me ocurre,
una pinza siento dentro
que estrangula mis entrañas
y me siento prisionero
de tu fantasma errante,
como un demonio interno,
que me tiene condenado
al penar de tu recuerdo.
Copla de la Ausencia
No me pidas nada
que ya perdiste.
No quieras cariño,
ni risa en mi boca,
ni sueño en mi lengua
que quedó rota
desde el mismo día
en que tu te fuiste.
Feria en Hamburgo
Gira la noria
y sube.
Observas el ambiente
con estómago extraño.
Los ojos brillantes
de los niños absortos
en cabeza mecánica,
cuya boca nos habla.
Yo recojo las risas
de tu blusa
y te doy a cambio
una flor de plástico
con rocío de metacrilato.
Gira la noria
y baja.
Nos espera
tu manzana roja.
Tu piel de caramelo
se relaja.
Mis zapatos caminan
por la Budapeststrasse.
“Perdido”
Se ha borrado
del mapa que me orienta
la ruta que seguía.
Ya no encuentro
sus puntos cardinales
ni el sendero que un día
mis ojos recorrieron.
El camino pretérito
se ha llenado de niebla
y disipa tu memoria
tras de ella.
Roto está el timón.
Apagado está el faro.
Me pregunto el sentido
que tendrán unos pasos.
Para qué el movimiento
si no encuentro el destino.
Nada ha de ser
sin ser sentido.
Enero 2006
Recuerdos de aluminio
Me dejas tus recuerdos
en papel de aluminio.
Tus pequeñas sorpresas,
como balón de oxígeno,
que vas dejando, sueltos
bajo el azul océano
para que emerja y flote
y prolongue tu existencia
por un tiempo.
Con tu aire de sirena
que me dejas prestado,
recupero la vida
ahogada por momentos.
Pequeños suspiros
emergen de tus sueños.
Y puedo oler
el suave aroma de tu aliento.
Todo se borrará
Todo se borrará
con tu sonrisa.
Desaparecerá el dolor
con tu sola presencia.
Merecerá la pena
esta tortura entonces.
Merecerá la pena
los minutos contados,
los días desgranados
en momentos vacíos.
La tristeza del tiempo
que paso en el presidio,
en el penal de penas
que supone tu ausencia.
Desaparecerá el dolor
con tu sola presencia.
Será sólo un recuerdo
empolvado y sombrío
que guardaré en el oscuro
resquicio del olvido.
Borrado totalmente
con tu simple sonrisa.
Vivo el tiempo
Vivo el tiempo
del teléfono
en su latir eléctrico,
señal que comunica
nuestra deuda de espera.
Vivo el tiempo
de las pantallas grises
que iluminan tu casa
como estatua de cera.
Vivo el tiempo
del tirano software
que atrapó tu lengua
y la encerró en el hardware.
Vivo este tiempo prestado,
de corazón prisionero en circuitos
que nos mantienen
atados y sin tiempo
a esta vida artificial.
Nocturno de Verano
La noche despierta intermitente
mi cuerpo sudoroso
en el nocturno aire del verano.
Reclama el tuyo,
como el miembro amputado
que siente su ausencia
con un dolor quirúrgico.
Supura su cicatriz en la consciencia
el recuerdo de tu piel erizada,
húmeda, cálida, silente e intensa.
Derramado en deseo,
con la urgencia del rayo
en la tormenta.
Huracán de dos cuerpos
en su descarga eléctrica,
y el silencio del sueño
reposado entre sábanas.
La sonrisa en tu rostro dormido
y yo te miro felizmente abducido...
Te quiero tener en mi nido
a diario, amarte en tu rutina,
dormirte en mis brazos cada noche
y disfrutar de tu sueño cotidiano,
del acunar de tu cadera
que mece tus volúmenes de estrella,
de sirena perdida o capturada
por marinero en tierra
que orgulloso observa
su jardín soñado.
“La Grieta”
Nada sigue en pie.
Sólo se mantiene
en su fachada.
Edificio que guarda
la apariencia
con el frágil telón
ante sus ruinas.
Vigas podridas.
Termitas afanadas
en su oculto trabajo silencioso.
Hasta la pequeña abertura
que revela
la grieta que delata
su oscura presencia.
La edad que no te engaña.
La línea que descubre
la risa de tus ojos usados,
la estría que nos muestra
la mueca de tu media luna
y su cuarto creciente en amargura.
No te mienten
tus dolores secretos,
tus mentiras privadas,
tu soledad presente.
La neblina que oculta
la ciénaga del miedo,
la cicatriz del arrepentimiento
que aumenta con los años.
La muerte te dibuja
la vida que has dejado.
*Este poema conforma la edición gráfica del mismo título (La Grieta / Der Riss, 2008) y el vídeo (Poema animado).
La Gran Timocracia (2011-2014)
La Musa
No sé que pintar,
pero ante la duda
inicio el trabajo.
Aparecerá la forma
limpia y digna
del pulcro sudor
que tiene el lienzo.
Aparente abstracción
que sin embargo
encierra este tiempo
de realidad y vida.
La Prima
Hoy he escuchado
que baja la prima
con riesgo en el mercado.
Su bolsa tan pesada
cae y se derrama
entre gritos de precios,
ofertas anti-crisis
y otras gangas caducas.
Seguimos con las mismas
cadenas invisibles,
prisioneros del miedo.
Poema del Supermercado
Leche Candela,
leche normal,
vinagre de manzana,
tomate frito,
arroz,
yogur,
pescado,
fiambres,
papel higiénico,
pasta de dientes,
fruta y verdura,
pimientos,
lechuga,
plátanos,
patatas,
nata,
ajo.
Homenaje a On Kawara
Son las dieciocho horas,
quince minutos,
del cuatro de febrero
de dos mil
trece.
Semilla Negra
La semilla se cierra,
permanece,
como la inocencia,
quemada entre mis manos
sudorosas del tiempo.
La semilla se vende
en los mercados,
calcinada en su espera,
latente en el silencio
que precede a la idea,
añorando la lluvia.
Semilla Blanca
Luz de tus esquinas,
de curvas sinuosas.
Luz que ilumina el rayo
de tu boca.
Luz descargada en nubes
de tormentas eléctricas,
de huracán y arroyo.
Luz en espiral que torpe sigo,
náufrago en su centro.
Luz de paraíso
intensamente extraña
y silenciosa.
*Estos poemas integran los cuadros pertenecientes a la exposición del mismo título, realizada en la Galería Weber-Lutgen de Sevilla en 2014.
3. TESIS DOCTORAL:
"Estudio Empírico y Metodológico del Dibujo Como Germen del Proceso Creativo" (CLICK)